Walker Evans, Lotte Jacobi, Lartigue, Bill Viola, Daido Moriyama e Bastienne Schmidt sono solo alcuni degli autori analizzati attraverso gli scritti della celebre critica e storica della fotografia Vicky Goldberg.

Volume scontato al 35%

Gombrich, storico dell'arte, Hochberg, psicologo, Black, filosofo, discutono, nei tre saggi raccolti in questo volume, il problema dei modi diversi di percezione delle immagini, pittoriche e fotografiche in particolare: un interrogarsi sui problemi riguardanti la natura della rappresentazione nell'arte che diventa occasione per un vivace dibattito interdisciplinare.
Tale inedito confronto di idee, fondato su esperienze sostanzialmente differenti, sollecita infatti la riflessione e l'approfondimento di temi di grande suggestione: il tempo, la verosimiglianza, l'empatia, la capacità di informazione dell'immagine e il livello d'attesa.
Particolarmente serrato risulta lo scambio di opinioni tra Gombrich - che, partendo dalla caricatura, avvia un'indagine di grande fascino sulla questione della fisionomia, facendo ricorso ad esempi tratti non solo dalle arti figurative, ma anche dal mondo dello spettacolo - e Hochberg, che analizza le possibilità di superamento delle teorie tradizionali della percezione. A Black si deve invece una sottile disamina di cosa significa, dal punto di vista teorico, dire che un quadro «raffigura» o «rappresenta» qualcosa.

A partire dagli scritti di Freud sull’arte, la psicoanalisi è costantemente tornata a interrogarsi sul mistero della creatività artistica. La scuola anglosassone, che fa capo a Melanie Klein, si differenzia dalle teorizzazioni precedenti per aver illuminato uno spazio teorico in cui scienza e arte convivono in vicendevole arricchimento. Wilfred R. Bion, formatosi alla scuola di Melanie Klein, intreccia clinica e mito attraverso la mediazione estetica, che gli si rivela come una qualità dell’ascolto psicoanalitico. Donald Meltzer prosegue il pensiero di Bion e giunge a sostenere, rispetto al conflitto edipico freudiano, la priorità del conflitto estetico tra madre e bambino come nucleo originario della vita mentale, riconoscendo implicitamente all’estetica il rango di dimensione metapsicologica.
Questo libro evidenzia gli elementi artistici in un pensiero che, volendosi rigorosamente clinico, ha talora indotto gli addetti ai lavori a una lettura finalizzata a un utilizzo meramente pragmatico, che ha espunto la grande ricchezza dell’elaborazione estetica.

Con testi di: Klein, Segal, Revière, Milner, Stokes, Meltzer, Harris Williams, Waddell.

L'innovazione e' un bisogno fisiologico, in ogni processo culturale, anzi, si puo' giungere a sostenere che senza di essa non c'e' cultura affatto: ma certo, quando ci si occupi dei settori particolarmente sensibili della ricerca artistica ( si tratti delle arti visive, o di quelle del suono, dello spettacolo, delle lettere, la cosa non cambia), la novita', l'obbligo di cercare immagini di originalita', di non ripercorrere sentieri gia' triti, divengono condizioni determinanti, veri e propri "sine qua non". E dunque, sara' ormai inutile tentare di condannare quanche fenomeno stilistico dicendolo "di moda", o accusandolo di "seguire la moda del momento". La ricerca di stile non e' come la produzione del pane, o di altri generi di prima necessita' necessari per la sopravvivenza; forse, in questo secondo caso, i processi produttivi possono fare a meno di spendere energie nel "nuovo" (ma sara' poi vero, forse che col tempo non mutano anche le forme del pane e della pasta?). Sta di fatto che, qualora si tratti di arte, il variare, mutare, spiare da dove vengano i soffi della moda, costituiscono premesse difficilmente eludibili. E la moda e' tale, cosi' si chiama, perche' incarna come meglio non si potrebbe questa necessita' primaria, la rivela, la mette in scena con una sensibilita' straordinaria: come il galleggiatore, nelle partite di pesca, che trema, si agita alla minima increspatura delle acque, e al minimo strappo del pesce che abbocca, o che solo sfiora l'esca.

II volume vuole tracciare una linea che collega esperienze apparentemente molto diverse e distanti, in realtà accomunate dall'uso di uno sguardo attivatore sul paesaggio metropolitano. Le città e poi le metropoli sono lo specchio di poteri forti e precise volontà di ordinamento politico, sociale ed economico. Nel corso del Ventesimo secolo, l'arte ha avuto sempre più un atteggiamento "attivo" e presente teso a modificare il paesaggio attraverso l'azione e a riconoscere allo spettatore un ruolo partecipativo dell'opera stessa. Le correnti e gli artisti contemplati nel libro: la Scuola di Dusseldorf, Luigi Ghirri, il situazionismo francese, il Group Material, Gordon Matta Clark, la Public Art, Michelangelo Pistoletto.

Nuova edizione proposta a prezzo dimezzato!

Una storia della fotografia, dalle origini a oggi, che, attraverso il prisma del corpo e della figura umana, è anche una storia del gusto, del costume, dell'immaginario, della società e della storia degli ultimi centotrent'anni.

1. I primi ritratti
2. Il formato carta da visita
3. Colonialismo ed etnografia
4. Dalle passioni alla macchina umana
5. La guerra e la morte
6. Nudo artistico e pornografia
7. La bambina, la donna, la modella, la fotografa
8. Il Modernismo negli Stati Uniti
9. Le avanguardie in Europa
10. Il corpo surrealista
11. Il corpo ideologico
12. Il corpo tragico
13. Il dopoguerra e gli anni cinquanta
14. La scuola di Chicago e la fotografia soggettiva
15. Nuove vie della fotografia contemporanea
16. Gli anni sessanta
17. Fotografia e arte
18. Gli anni settanta
19. Postmodernismo e postumano

Con l'unico difetto di essere aggiornato al 1984, il volume ripercorre le principali tappe della fotografia americana del dopoguerra.
Oltre 300 immagini a corredo dei testi redatti da Jonathan Green.

Critica e giornalista per il New York Times, Andy Grundberg ha raccolto i suoi scritti in questo volume ormai considerato un classico nel campo della saggistica in campo fotografico e delle arti visive.

Una storia della fotografia del XX e del XXI secolo di Walter Guadagnini è, in realtà, un insieme di storie, poiché, come scrive l’autore, "la fotografia vive all’interno di un più articolato sistema di relazioni, non è solamente una forma d’arte, è una pratica" che si sviluppa e si definisce all’interno dei vari ambiti nei quali si applica. E quindi: una storia della tecnica fotografica, dalla Brownic prodotta dalla Kodak nel 1900 alla fotografia digitale di oggi. E una storia delle riviste, dei libri e delle mostre che l’hanno diffusa in tutto il mondo, una storia dell’informazione e della propaganda, della documentazione e del reportage, una storia sociale della diffusione sempre più vasta e popolare, più democratica, dello strumento fotografico e una storia della fotografia come forma d’arte sempre più compiuta e autonoma. Walter Guadagnini tira i fili di tutte queste storie coniugando sguardo da storico e gusto dell’esplicita e acuta lettura critica, attraversando anche gli ultimi decenni del XX secolo per arrivare fino ad oggi.

Un aggiornato compendio di storia della fotografia, dalle prime sperimentazioni di Nièpce e Da guerre ai primi dell'Ottocento fino alle creazioni contemporanee di Martin Parr, Christian Boltanski e Andreas Gursky. Scorrono decine di immagini dei più grandi fotografi: dai maestri francesi del XIX secolo a Nadar, da Marey a Muybridge, da Alfred Stieglitz a Leni Riefensthal fino a Man Ray, Cartier-Bresson, Elliot Erwitt, Bruce Nauman, Mapplethorpe, Cindy Sherman. I saggi offrono un taglio trasversale e innovativo, prestando attenzione anche alle dinamiche meno conosciute dell'arte della fotografia e alternandosi ad album iconografici su singoli temi.