L'espressione artistica femminile analizzata attraverso le voci di nove artiste.
In 'Celibi' Rosalind Krauss lascia spazio alle differenti specificità delle opere, lasciando che siano esse a infrangere, per evidenza, il discorso tradizionalmente tutto al maschile della storia dell'arte. Rosalind Krauss presenta in questo libro la terza fondamentale apertura dell'arte contemporanea a fianco della rivoluzione concettuale e di quella mediale: l'espressione artistica femminile.

Rosalind Krauss è oggi una figura importante nella riflessione critica sull'arte moderna: le sue ricerche sulla fotografia e sulla scultura così come le sue proposte teoriche (dalla teoria dell'"informe" alla "reinvenzione del medium") hanno influenzato il modo in cui si osserva e si giudicano i fenomeni artistici. Questo libro fornisce al lettore i testi fondamentali per comprendere la "svolta" metodologica dell'autrice e testimonia della vastità dei suoi interessi. I saggi passano da riletture di artisti celebri come Rodin, Picasso, Duchamp o Giacometti, a una fondamentale reintepretazione del surrealismo a partire dalla fotografia di Man Ray, Brassaï e Bellmer, per giungere a una riflessione sui caratteri del postmoderno. Di ogni artista la Krauss evidenzia ciò che lo porta al di là del modernismo, reintegrando aspetti fondamentali trascurati o rimossi dalle interpretazioni precedenti. Al centro del libro c'è poi la discussione dei "miti" del modernismo, l'individuazione dei cambiamenti e la proposta di nuovi strumenti per interpretarli, di due nuovi dispositivi divenuti concetti critici imprescindibili: la griglia e l'indice, argomento dei due saggi centrali del volume.

Quella che Rosalind Krauss racconta è innanzitutto una storia: la storia di un potere visivo chiamato "inconscio ottico", una forza indomabile e prorompente che investe tutta l’arte del XX secolo e, al pari di un’onda, si propaga fino alle soglie del nuovo millennio. Dai romanzicollage di Max Ernst ai Rotorilievi di Duchamp, dai dripping di Pollock alle sculture luminose di Eva Hesse, l’autrice rilegge l’intero movimento del modernismo alla luce dei fantasmi e delle ossessioni visive di alcuni dei suoi più grandi rappresentanti, delineando i contorni di una storia alternativa, controcorrente rispetto a quella ufficiale del movimento. Una storia che L’inconscio ottico individua all’interno del modernismo stesso come una forza sotterranea, una spinta irrazionale tesa a sfidare la sua stessa logica fino a scardinare il presunto fondamento ontologico del visivo.
Sul filo di alcuni concetti chiave come quelli di mimetismo, di perturbante o di bassesse e di figure strategiche come Georges Bataille, André Breton e Jacques Lacan, Rosalind Krauss traccia le basi della teoria dell’informe destinata a renderla celebre qualche anno dopo, offrendoci al tempo stesso una riscrittura originale della storia dell’arte del XX secolo, capace di intrecciare la lucidità dell’argomentazione saggistica al racconto quasi diaristico dell’esperienza estetica personale.
In lingua italiana!

A cura di Elio Grazioli
Così come accadde per la pittura, l'introduzione della fotografia nel mercato dell'arte ha dato l'avvio a una "lettura" specialistica, fatta prevalentemente di quei corollari obbligati ai cataloghi e alle monografie rappresentanti dalle prefazioni e dai testi critici. Rosalind Kruss, una delle massime esperte mondiali di arte contemporanea, vuole qui porsi contro tale modo di scrivere sulla fotografia, e anzitutto di volerne scrivere la storia. In opposizione alla tendenza dominante che fa rientrare la fotografia nell'ambito della storia dell'arte e che ne riduce l'invenzione a semplice formalità, la Krauss mira a restituirle quel significato di rottura che le fu proprio in origine, sottolineandone l'imprenscindibile esteriorità. Non riconducibile alle dimensioni essenzialmente stilistiche proprie della storia dell'arte, il valore della fotografia, come ha scritto Walter Benjamin, è sempre dato dal rapporto del fotografo con la propria tecnica. La storia dell'arte può fingere oggi di avere "fagocitato" la fotografia; un libro come questo ha anzitutto il merito di dissipare tale illusione.

La voce autorevole di Rosalind Krauss analizza l'arte concettuale degli anni Sessanta e Settanta, in particolar modo quella di Marcel Broodthaers. Secondo Krauss, se l'arte cambia è perchè vi sono artisti che pongono le premesse perchè ciò accada. L'arte moderna, ad esempio, ha messo al centro delle proprie priorità l'investigazione delle specificità dei mezzi utilizzati dagli artisti. Il noto critico americano Clement Greenberg sosteneva che la specificità di un mezzo consiste nelle sue proprietà materiali e dunque - per quanto riguarda la pittura - nella piattezza delle superfici. Rosalind Krauss, che con Hal Foster e Benjamin Buchloh ha fondato la rivista ?October?, ribalta la prospettiva greenbergiana analizzando il lavoro di Marcel Broodthaers e offrendo così una chiave di lettura critica illuminante degli sviluppi artistici negli ultimi decenni. L'artista belga, infatti, ha rifiutato questa condizione riduttiva del mezzo estetico, a favore di una condizione postmediale dell'arte che considera il mezzo come dispositivo complesso incorporandone convenzioni estetiche e strumenti tecnologici distinti dalle proprietà materiali del mezzo stesso. Rosalind Krauss ci conduce attraverso i passaggi centrali del percorso di un artista il cui lavoro oggi si rivela di stringente attualità. Negli anni in cui l'arte si ritrova a fare i conti con la globalizzazione dell'immagine al servizio del capitale, Broodthaers ci insegna come la specificità mediale non serva più a caratterizzare l'opera, ma la sua reinvenzione e riarticolazione permette agli artisti di avere strumenti in grado di produrre delle differenze.

Kubovy, psicologo sperimentale, racconta dettagliatamente la movimentata storia dell’invenzione della prospettiva nel XV secolo, e mostra come essa venne usata per raggiungere ingegnosi e affascinanti effetti estetici. La presentazione chiara dei concetti fondamentali della prospettiva e delle ragioni della sua efficacia, riferita anche a recenti ricerche di laboratorio sulla percezione, consente di proporre una nuova teoria che spiega perché gli artisti del Rinascimento usassero prospettive non certo ortodosse, che hanno messo in difficoltà molti studiosi di storia dell’arte.

La città del futuro, la casa dell'uomo, il rapporto con la tradizione, la tecnologia, il paesaggio costruito, le avanguardie. Sono i temi delle riflessioni che Le Corbusier ha scritto in decine di testi a partire dall'inizio degli anni Venti fino agli anni Sessanta e che rappresentano al più alto livello di elaborazione i mutamenti dei concetti di spazio e di percezione nel corso del Novecento. Questa antologia degli scritti di Le Corbusier, la più ampia pubblicata in Italia, esclude programmaticamente le trattazioni sistematiche dando invece voce al Le Corbusier rapsodico dei contributi brevi, a volte occasionali, spesso caratterizzati anche formalmente da un'idea di collage che assembli osservazioni diaristiche, riflessioni, studi, disegni, ritagli di giornale, fotografie, nuovi progetti, corpi tipografici diversi, punteggiatura «sperimentale». E proprio in questi testi emerge il work in progress del grande architetto: il carattere asistematico di questi scritti sembra quasi esaltare la coerenza di un progetto che si modifica via via, mantenendo alcune intuizioni essenziali. Prima fra tutte quella di uno spazio non compreso nelle dimensioni cartesiane, una quarta dimensione, una vibrazione comune fra cose diverse che si manifesta, in arte e in architettura, quando si raggiunge una speciale armonia fra tutto ciò che entra in gioco in una costruzione, dalle idee ai materiali e alle tecniche usate. Ma questo sentimento dello «spazio indicibile» non è, per Le Corbusier, un atto spirituale o mistico o paranormale: è una disposizione «esatta come una matematica», un fenomeno fisico che dipende dalla fisicità dell'opera e dalla fisicità dei corpi che sono nello spazio. Un intuizionismo laico e materialista, quello di Le Corbusier, che rappresenta il cuore del pensiero e delle pratiche artistiche del Novecento, ed è ancora attuale come base di confronto nel nuovo millennio.

Straordinario oggetto da collezione questo volume sulla storia della fotografia pubblicato in Francia nel 1945.
Le oltre 450 pagine che compongono il libro sono arricchite da centinaia di immagini, molte delle quali applicate al vivo e riproducenti fotogravure, calotipi, stampe ai sali d'argento, etc.
Parte fondamentale dell'opera è infatti una interpretazione storica della fotografia d'autore attraverso i suoi procedimenti di stampa a cominciare dall'800.
Una curiosità: a corredo del volume un paio di occhialini per la visione tridimensionale di alcune immagini.

Il volume, quotato fino a 1500$, è in condizioni perfette!

Rarissima edizione italiana della celebre "Storia della fotografia" secondo Jean Claude Lemagny.

Questo volume raccoglie i risultati di un incontro di studi che, per la prima volta in Italia, ha affrontato il tema del ruolo delle donne nella storia della fotografia dalle origini ai nostri giorni. Presentando punti di vista differenti, esso offre un apporto originale sul fronte sia della ricostruzione storica che delle metodologie interpretative.
Contiene contributi di: Letizia Battaglia, Giulia Caira, Carla Cerati, Paola De Petri, Marzia Migliora, Cristina Omenetto, Gigliola Foschi, Nicoletta Leonardi, Lisa Parola, Francesca Pasini, Naomi Rosenblum, Antonella Russo, Roberta Valtorta.