La Mission héliographique, Roger Feritori e la regina Vittoria, Charles Marville a Parigi, le grandi esplorazioni del West americano, le campagne fotografiche della Farm Security Administration, Paolo Monti e i centri storici emiliano-romagnoli, la Mission photographique de la DATAR, Archivio dello spazio, la Mission Photographique Transmanche, l'Observatoire photographique national du paysage. Linea di Confine per la Fotografia Contemporanea, VINEX Photo Project, Osserva.Te.R., Ekodok -90, Fotografie und Gedächtnis, OfüFLa Mission photographique a Bruxelles / Fonds pour la Photographie, Photoworks e Cross Channel Photographic Mission, i progetti della DARC. II volume intende fare il punto sull'importanza delle missioni pubbliche come ambiti di promozione della fotografia dalla metà dell'Ottocento a oggi, in Italia, in Europa e negli Stati Uniti. Comprende diciotto saggi di importanti studiosi di fotografia di fama internazionale su altrettanti progetti di committenza pubblica.

Un percorso nella storia della fotografi a dalle origini a oggi

Nonostante le sue origini relativamente recenti, la fotografia è un territorio sterminato, nel quale non è sempre facile orientarsi. Roberta Valtorta ha deciso di esplorarlo attraverso le voci dei suoi protagonisti. A partire dagli scritti dei fotografi, dei teorici e degli intellettuali che se ne sono direttamente occupati, il libro ci guida attraverso le trasformazioni che l’idea di fotografi a ha subito nel tempo: dall’invenzione di Niépce e Daguerre alle sperimentazioni delle avanguardie, dal reportage di Cartier-Bresson e di Capa all’utilizzo nell’arte contemporanea, fino al digitale, le fasi salienti che hanno guidato gli sviluppi della disciplina vengono affrontate secondo una lettura inedita, che non si limita a una mera elencazione di nomi o di date, ma offre al lettore gli strumenti per addentrarsi criticamente nel suo mondo vasto e complesso.

Raccolta degli interventi ai seminari che si sono tenuti tra il 2001 e il 2004 presso il Museo di Fotografia Contemporanea, arricchiti da scritti di critici, storici, direttori di musei italiani ed europei.

Il mutamento di identità della fotografia nel momento contemporaneo, la sua collocazione fra le arti e le sue trasformazioni tecnologiche.

Scritti e opinioni di: Luca Massimo Barbero, Gabriel Bauret, Pierre Devin, Bruno Di Bello, Ute Eskildsen, Vittorio Fagone, Christine Frisinghelli, Christian Gattinoni, Frits Gierstberg, Elio Grazioli, Mark Haworth Booth, Andrea Lissoni, Gilles Mora, Gianni Romano, Roberto Signorini, Tereza Siz, Urs Stahel, Francesco Tedeschi, Franco Vaccari, Hripsimè Visser, Hubertus von Amelunxen, Bas Vroege, Silvio Wolf.

Il Novecento testimonia la maturazione della fotografia come arte e il suo definitivo ingresso nella cultura contemporanea. Tre i momenti principali di questo percorso: il periodo delle Avanguardie storiche, che mettono in evidenza la relatività del rapporto fra immagine e realtà; gli anni Sessanta-Settanta, quando la fotografia abbandona la funzione narrativa e diventa strumento di lavoro per gli artisti; gli anni Novanta, nei quali si afferma il forte senso della finzione che segna la comunicazione e l’arte contemporanea.
Gli scritti raccolti in questo volume, che datano dal 1983 al 2003, toccano molte questioni teoriche e storiche e creano un insieme di approfondimenti orientati in più direzioni: da un lato, le teorie e le tendenze della fotografia degli ultimi trent’anni, dalla crisi del reportage storico alla lettura del paesaggio contemporaneo, al mutamento del rapporto fra immagine e realtà provocato dal digitale; dall’altro, il rapporto fra fotografia e committenza pubblica come elemento che struttura i codici stessi delle produzioni fotografiche; infine, alcuni momenti fondamentali della storia e della cultura fotografica italiana del Novecento, nei suoi sviluppi, spesso, problematici.
Il volume si propone come strumento di conoscenza e di riflessione per quanti " studenti, specialisti, appassionati " intendano accostarsi alla fotografia come forma artistica complessa, in sintonia con la realtà contemporanea, e come oggetto teorico assai articolato e di non facile definizione.

Prima rara edizione del fondamentale saggio realizzato nel 1974 da Lea Vergine per presentare il lavoro di 62 artisti impegnati nella ricerca sul corpo:

Acconci, Anselmo, Arnatt, Baldessari, Baruchello, Ben, Vautier Berardinone, Beuys, Broodthaers, Brown, Brus, Bugli, Calzolari, Cioni Carpi, Chiari, Ciam, De Freitas, Desiato, D’hooghe, Fox, Fried, Gilbert & George, Graham, Horn, Job, Jonas, Journiac, La Rocca, Luthi, Mariani, Marioni, Masi, Mattiacci, Mauri, Messager, Muehl, Nagasawa, Nespolo, Nitsch, Ontani, Oppenheim, Otth, Pacus, Pane, Patella, Penone, Gianni Pisani, Vettor Pisani, Rainer, Rinke, Ruppersberg, Samaras, Schwarzkogler, Serra, Sieverding, Tagliaferro, Trotta, Urban Vaccari, Zaj, e Zaza.

Quarant’anni di vita culturale, sociale e artistica scorrono veloci davanti al lettore di queste pagine. Lea Vergine, nell’esercizio di critico che media tra l’opera e chi la guarda, riporta nella conversazione pubblica movimenti, svolte artistiche radicali e le figure dei protagonisti.
«Guardavo, annotavo, prendevo appunti» dice di sé l’autrice richiamando i primi passi della propria esperienza critica. E, andrebbe aggiunto, «descrivevo». Le descrizioni di Lea Vergine afferrano l’oggetto osservato e lo rendono discorsivamente attraverso i suoi dettagli rivelatori, riservando al lettore una conoscenza del fatto artistico di tipo prevalentemente «visivo».
Gli scritti raccolti in questo volume riassumono, per la prima volta, l’intera attività dell’autrice, in tutto il suo svolgimento temporale e nella completezza delle sue modalità (saggi, presentazioni in cataloghi, articoli, recensioni). I brani di scrittura che compongono Parole sull’arte, spesso brevi e allineati in rapida successione, formano un denso repertorio di immagini e di vite d’artisti, un «ricettario» in cui sono custodite le formule e le risorse tecniche dell’arte dopo la fine del quadro. Il racconto dell’arte moderna e contemporanea intessuto da Lea Vergine per misteriose vie si riallaccia alle narrazioni antiche dei fatti artistici, rinascimentali e anche anteriori.

Quando appare, nel 1974, Il corpo come linguaggio (La Body-art e storie simili) è subito un grande successo editoriale, recensito da alcuni dei più autorevoli storici dell’arte e letterati (Giulio C. Argan, Edoardo Sanguineti, Max Kozloff, Lucy Lippard, François Pluchart, Peter Gorsen, Evelyn Weiss e tanti altri). Testimone diretto della nascita e della crescita di uno dei più controversi movimenti artistici, il volume di Lea Vergine si avvale di una serie di testi degli artisti stessi, ai quali l’autrice aveva chiesto di contribuire con una dichiarazione relativa al lavoro illustrato. Corredato di un’ampia documentazione di fotografie originali e fotogrammi di film, videotape, happening, azioni e performance, il volume analizza l’evoluzione di questo fenomeno attraverso le opere di sessanta artisti, da Gina Pane, Gilbert & George, Urs Lüthi e Katharina Sieverding a Rebecca Horn, Trisha Brown, Günter Brus e molti altri che hanno lavorato col e sul corpo.

Con un’operazione editoriale assolutamente insolita, a quasi trent’anni di distanza dalla prima edizione, il testo " un classico, ormai " viene ripubblicato con l’intero corredo di materiale fotografico originale. Il volume è arricchito e aggiornato da una postfazione di Lea Vergine che analizza il mutare della Body art negli anni Novanta: Orlan, Stelarc, Ron Athey, Franko B., Yasumasa Morimura, Jana Sterbak, Matthew Barney sono "virtuosi dello squilibrio, avidi di ogni sorta di piaghe, i mistici - come coloro che esibiscono il proprio corpo sottoposto a tecniche cruente e invasive, o ne fantasticano virtualmente - si distruggono per ritrovarsi" In questo finiscono col frequentare il mondo dei santi e delle vittime di cui perpetuano la seduzione".

L'esperienza del paesaggio viene ricostruita nel suo sviluppo storico e nelle sue varie espressioni, artistiche e filosofiche, scientifiche e sociali, estetiche e ideologiche. Senza sconfinare nei territori contigui dell'ambientalismo e dell'ecologia, questo saggio restituisce il paesaggio alla sua immagine mutevole, che ne fa una presenza costante sul nostro orizzonte quotidiano, sempre pronta, però, a modificarsi a seconda delle situazioni e dei punti di vista. In questa sua multiformità, che lo identifica di volta in volta nel giardino o nella villa, nel parco regale o in quello urbano, nella veduta o nel panorama, nella natura selvaggia o nello skyline metropolitano, il paesaggio si fa cosí punto d'incrocio di una fitta trama di tensioni culturali, riassunte nella sua qualità intrinsecamente estetica e progettuale, di cui l'arte e l'architettura si sono da sempre fatte carico. Nel suo puntuale percorso espositivo, la narrazione dà conto di queste differenti manifestazioni, fissandole in una trattazione sistematica che ne disegna le varie figure in un affresco articolato, ma coerente.

Questa domanda, che molti si sono posti e alla quale non pochi hanno cercato di rispondere in modo definitivo, costituisce il filo conduttore di questo libro, breve e brillante, nel quale Nigel Warburton cerca di dare al lettore gli strumenti necessari per orientarsi nel mondo dell'arte, spesso insidioso o difficilmente comprensibile. Con l'ausilio di svariate immagini di «opere d'arte» considerate tali dai critici, da Cézanne a Francis Bacon, da Warhol a Damien Hirst, l'autore indaga sulla reale natura dell'arte e sulle teorie che hanno cercato di delinearne l'essenza, giungendo a conclusioni filosofiche forse inaspettate ma molto interessanti.

Il più completo e aggiornato volume riguardante la storia della fotografia mondiale oggi in circolazione.

Illustrato con oltre 600 immagini, "Photography: A Cultural History" ripercorre tutte le tappe del "fotografico" a partire dalla scoperta del mezzo fino ad arrivare alle ultime tendenze artistiche anche nell'ambito del digitale.

Nuova edizione aggiornata!