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Da quando, nel 1838, il dagherrotipo irruppe sulla scena della modernità, nulla fu più come prima. Obiettivi, lastre, camere oscure e bagni chimici non configurano soltanto una nuova, rivoluzionaria tecnica per riprodurre la realtà: ebbero effetti pervasivi sui modi stessi di percepirla e di immaginarla, quindi di rappresentarla. Con la pittura, anche la letteratura ne fu investita in pieno, tanto che ancora oggi – dopo una ulteriore rivoluzione, quella digitale – romanzi e racconti continuano a denunciare la potenza attrattiva, nel bene o nel male, del mezzo fotografico. Al rapporto quasi bisecolare tra fotografia e opere letterarie Remo Ceserani dedica qui il primo saggio d'insieme, che attraverso una vastissima ricognizione comparatistica offre un repertorio unico e guidato di presenze tematiche, strategie narrative, orientamenti teorici. Sono censite le tipologie dei fotografi-personaggi e rintracciati i campi metaforici di conio inedito, vengono analizzate le mutate procedure di descrizione ed esplorate le connessioni con gli antichi riti della memoria, mentre a poco a poco si compone di fronte al lettore un quadro di ricchezza insospettata. Da Charles Baudelaire a Italo Calvino, da William Faulkner a Julio Cortázar, da Henry James a Thomas Bernhard, da Marcel Proust ad Antonio Tabucchi, la fotografia dispiega in letteratura tutta la sua preziosa ambivalenza. Se, secondo Roland Barthes, «non sa dire ciò che dà a vedere», le parole per dirlo spettano agli scrittori, sia a chi ne esalta la funzione di verità sia a chi ne apprezza, postmodernamente, il carattere artificioso, sia al folto drappello di coloro che invece insistono sulla sua inattendibilità o sul suo aspetto stregonesco e predatorio, attribuendo all'occhio impassibile della macchina una minaccia di congelamento del tempo che resuscita lo sguardo pietrificante della Medusa.

I criteri secondo quali una foto viene considerata sbagliata variano secondo le epoche e i punti vista e costituiscono un rivelatore importante di cosa ci si aspetta da una foto e di quale sia il suo fluttuante rapporto con la mimesis. Spesso gli artisti si sono affidati all'alea o hanno deliberatamente cercato l'errore: le foto inquadrate "male", le ombre e i riflessi, le sovraesposizioni, gli occhi rossi, le deformazioni causate dalla velocità sono presto diventati "errori" utili alla sensibilità futurista e surrealista, hanno interessato il lavoro di Atget, Man Ray, Moholy-Nagy, Kertész, Friedlander, Denis Roche... Grazie ad argomentazioni non esenti da un leggero umorismo, l'autore organizza una "piccola storia dell'errore fotografico" dalle origini a oggi. L'apparato di illustrazioni documenta i primi fotografi maldestri, i dilettanti impacciati e l'uso che è stato fatto di alcuni "errori" più o meno involontari, a partire dalle avanguardie del Novecento fino alle odierne foto d'arte, di moda o di cronaca.

L'immagine fotografica nell'èra dei media globalizzati: saggio sull'11 settembre 2001

Cosa abbiamo visto dell'11 settembre? L'attentato contro le torri gemelle è stato senza dubbio l'avvenimento piú fotografato della storia dei media. Ma, paradossalmente, la stampa ha diffuso solo un piccolissimo numero di queste immagini. La copertura dell'avvenimento sulle prime pagine dei giornali americani dell'11 e del 12 settembre è avvenuta principalmente attraverso sei immagini-tipo suddivise in sole trenta differenti fotografie. Controllata da un numero esiguo di distributori, l'immagine si uniforma, il contenuto documentario si impoverisce. L'11 settembre permette di cogliere gli effetti prodotti dalla globalizzazione sulle rappresentazioni fotografiche dell'attualità.

Una curioso e raro volume che ripercorre la storia della fotografia attraverso immagini e illustrazioni e prendendo in considerazione alcuni aspetti dell'arte fotografica difficilmente riportati in altri testi in lingua italiana.
Grazie all'apporto di numerosi disegni ed alla facilità di linguaggio, può essere un valido strumento anche per gli appassionati in più tenera età.

Una analisi innovativa dei temi principali legati allo sviluppo storico della fotografia - il paesaggio, la città, il ritratto, il corpo e il reportage. Uno studio minuzioso di immagini esemplari, alla luce dei rispettivi contesti culturali e ideologici.

Dalla prima nebulosa «eliografia» scattata da Joseph Nicéphore Niépce nel 1826 fino alle composizioni classiche di Cartier-Bresson e Alfred Stieglitz e alle formidabili strategie postmoderne di Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman e Victor Burgin, la storia della fotografia è uno straordinario susseguirsi di immagini acute e penetranti. Ma le fotografie sono anche le immagini piú diffuse del nostro tempo, dotate di una capacità infinita di registrare gli eventi e di renderli importanti conferendo loro un nuovo status.
Ma come si legge una fotografia?
In una serie di acute disamine dei temi e dei generi piú rilevanti, Graham Clarke presenta in modo chiaro ed efficace lo sviluppo storico della fotografia e illustra il pensiero dei critici piú interessanti sull'argomento, tra cui Roland Barthes e Susan Sontag. Il libro è incentrato su una analisi innovativa dei temi principali legati a questo argomento - il paesaggio, la città, il ritratto, il corpo e il reportage - e sullo studio minuzioso di immagini esemplari, alla luce dei rispettivi contesti culturali e ideologici.

Dalla città italiana dell'Ottocento alla pianura di Luigi Ghirri, dai diseredati californiani di Dorothea Lange sino alla devastazione di Ground Zero in Joel Meyerowitz, siamo messi di fronte ai fotografi per cui il mondo dell'uomo è un mistero senza fine, comprensibile unicamente nella visione d'amore generata dalla libertà personale, che si prende cura di tutto e di tutti.
Raccontare oggi la fotografia e la sua storia significa ricordare, e continuare a vivere, la dignità originaria dell'uomo, ovvero la vera immagine del suo destino finale.

Pubblicata a Torino tra il 1904 e il 1917, "La Fotografia Artistica. Rivista internazionale illustrata" dichiara nel titolo e traduce nella pratica un programma ambizioso: legittimare la fotografia come una delle arti visive, in un fitto scambio di idee col movimento internazionale e lungo il filo conduttore di un atendenza alla modernità che rivendica la fotografia come un "linguaggio" particolarmente congeniale.
La rivista, diffusa su scala nazionale e nota anche all'estero, costituisce nel suo tempo la presenza più importante e significativa della cultura fotografica italiana, e la sua influenza dura ben oltre la fine della sua attività. Non è senza significato il fatto che essa nasca nella Torino degli inizi del secolo, la città-laboratorio in cui si affermano espressioni e tecniche della civiltà industriale, dall'automobile al cinema (più tardi alla radio).
La rilettura della "Fotografia Artistica" proposta da Paolo Costantini, un giovane, affermato studioso e docente universitario di storia e teoria fotografica, permette di ipotizzare fondatamente che Torino città dell'avanguardia industriale sia stata, per così dire, anche la capitale della fotografia, in una sorta di contrapposizione ideale al tradizionalismo visivo di ascendenza rinascimentale e fiorentina. Altro discorso, di assai più dubbia conclusione, è se la fotografia italiana sia riuscita a realizzare, nelle idee e nelle opere, le aspirazioni alla modernità rappresentate dalla rivista torinese. Per farlo avrebbe dovuto superare decisamente le angustie culturali ed extraculturali di un "modo di guardare" italiano condizionato da un passato prepotente e da un presente ancora incerto di sé: un problema affascinante che le pagine spesso sorprendenti e le belle immagini della rivista torinese invitano a riconsiderare.

Volume scontato al 20%

Documentando l'opera di piú di 170 artisti affermati a livello internazionale accanto a quelli della generazione piú giovane, da Andreas Gursky a Nan Goldin, da Richard Billingham a Yinka Shonibare e Gregory Crewdson, da Wolfgang Tillmans a Luc Delahaye e Allan Sekula, da Sophie Calle a Cindy Sherman e Gillian Wearing...
Organizzato per capitoli tematici, il saggio di Charlotte Cotton esamina specifiche tematiche quali la narrazione nell'arte fotografica, la registrazione dell'insignificante dettaglio dell'esistenza quotidiana o della vita intima, l'uso della fotografia nell'arte concettuale, la distaccata estetica oggettiva prevalente nello stile contemporaneo, la fotografia quale privilegiato deposito di valori personali, sociali e culturali in un mondo saturo di immagini. L'ultimo capitolo studia il particolare ricorso di molti artisti alle proprietà fisiche e materiali della fotografia nell'era del digitale. Presentando artisti affermati a livello internazionale accanto a quelli della generazione piú giovane, La fotografia nell'arte contemporanea documenta i molteplici approcci e la forza d'impatto della fotografia artistica contemporanea.

Il libro costituisce un punto di riferimento indispensabile per chiunque si occupi di arte e fotografia ed è arricchito da 232 immagini a colori e in bianco e nero.

Scritti di: Anna Maria Amonaci, Gabriele Basilico, Rolando Bellini, Dario Betti, Roberto Bossaglia, Mario Caruso, Pierangelo Cavanna, Giovanni Chiaramonte, Cosimo Chiarelli, Paolo Cialli, Carlo Cresti, Cesare De Seta Lorenzo Giotti, Benedetto Gravagnuolo, Liliana Grueff, Francesco Jodice, Marina Miraglia, Angelo Pontecorboli, Paolo Rosselli, George Tatge, Italo Zannier.

La fotografia è il mezzo per duplicare l'immagine di un'architettura; è l'espediente più immediato ed efficace per valorizzare la ridondanza estetica di un determinato monumento e per dare rilevanza ai dettagli, anche i più nascosti, che sfuggono alla superficiale osservazione e che contribuiscono alla totalità di quel monumento. La fotografia si configura, quindi, quale mezzo più confacente ad esprimere la metafora dell'architettura come interpretazione della forma e dello spazio per il tramite della luce. In questa accezione la fotografia si accredita quale esperienza di accentuata lettura critica del manufatto architettonico.