Collezionare fotografia è un manuale di rapida consultazione e pieno di pratici consigli: il primo vademecum sul collezionismo fotografico.

Il libro si sviluppa su diversi livelli e attraverso una breve storia del collezionismo fotografico cerca di rintracciare le ragioni storiche ed estetiche della presenza, all’interno del mercato dell’arte contemporanea, della fotografia vissuta come parte integrante dell’offerta e quindi del mercato dell’arte.

Un’ampia parte è dedicata al tema quanto mai controverso, del "valore della fotografia": cosa lo determini e da cosa dipenda. Questioni come la tiratura di un’opera, l’importanza del percorso artistico dell’autore, il valore e il ruolo sul mercato delle opere "vintage" e delle stampe contemporanee, sono affrontate con chiarezza e precisione.

Ma il volume è anche un vero manuale e contiene indicazioni pratiche per districarsi all’interno di questo mercato e imparare a individuare le gallerie di riferimento, le pubblicazioni da consultare, le fiere e i "saloni" irrinunciabili, i musei e le collezioni private da tenere d’occhio, i critici di riferimento da seguire.
Collezionare fotografia offre al lettore anche una serie di interessanti "schede tecniche", a cura di Eugenia Bertelé, Roberta Piantavigna e Lorenza Fenzi, dedicate ad alcuni casi del mercato della fotografia e approfondimenti sui problemi di conservazione e manutenzione delle opere fotografiche.

Fotografia e Arte
Evoluzioni del linguaggio fotografico dalla nascita della fotografia alla Digital Art

Un confronto eterno tra fotografia e arte. Sin dalla sua nascita il linguaggio fotografico dimostra capacità espressive che lo rendono un mezzo di comunicazione efficace ed in taluni casi artistico. Nel suo percorso resta sempre affiancato all'evoluzione tecnologica che coinvolge le forme di vita dell'uomo e la cultura in generale fino ad arrivare ai giorni nostri: il processo si accelera, il mondo dell'arte resta destabilizzato, il mezzo fotografico è coinvolto e nuovi mondi si aprono su prospettive reali o virtuali.

Testimone e complice delle vicende umane da oltre centocinquant’anni, la fotografia ha un rapporto privilegiato con l’indagine poliziesca e scientifica. Lo storico " per il quale una fonte che unisca magicamente passato e presente (restituendoci l’impronta di un istante irripetibile) dovrebbe rappresentare un’occasione più unica che rara " nutre da sempre verso l’immagine tecnica una diffidenza solo in parte motivata.
Fonte per la storia e (inseparabilmente) agente di storia, la fotografia attende ancora una riflessione metodologica e soprattutto ricerche sul campo che ne verifichino la leggibilità e ne promuovano l’inserimento tra gli strumenti di lavoro dello storico. Esibita spesso come prova inconfutabile, la fotografia è un indizio ambiguo e aperto a molteplici letture, strumento problematico del paradigma indiziario.

Le immagini, gli autori, le tecniche, gli stili, le interpretazioni, la storia e la geografia dell'arte fotografica, dalle origini al digitale.

Oggi, nel momento in cui le immagini digitali sempre piú dominano la scena, sia a livello amatoriale sia a quello professionale, la fotografia sembra giunta a uno spartiacque della sua ormai lunga storia. Con questa opera si intende dare un quadro completo dell'argomento, che spazia dai fotografi alle informazioni tecniche piú aggiornate, dalle scuole nazionali alla critica d'arte, passando per la storia culturale dell'immagine negli ultimi 150 anni. Le oltre 1700 voci del dizionario sono state scritte da un gruppo di piú di 140 specialisti internazionali. Sono piú di 800 le voci biografiche dedicate a fotografi o a personalità che hanno notevolmente influenzato la cultura fotografica dal XIX secolo a oggi. I due volumi sono ampiamente illustrati e comprendono molte immagini inedite o poco conosciute. Molte delle voci includono suggerimenti per letture di approfondimento. L'utilità dell'opera è rafforzata dalla presenza di una vasta bibliografia, una cronologia della storia fotografica, una lista dei siti web di rilievo e un indice dei nomi. L'edizione italiana aggiunge 50 voci all'originale inglese, concentrandosi in maggior dettaglio sugli autori piú noti del nostro Paese.

All’orrore e al dolore si può e si deve rispondere, tenendo viva l’immaginazione e acquisendo un diverso sentire e nuove modalità di relazione con il mondo e con gli altri, tali da opporsi al senso comune, alla banalizzazione e alla passività crescenti. Alcuni eventi proposti dalla cronaca quotidiana vengono ripensati in queste pagine a partire dalle "risposte" di Francis Goya, Kate Kollwitz, Frida Kahlo, Vincent Van Gogh, Hanna Höch, Francis Bacon, Egon Schiele, Nan Goldin, Marina Abramovic, artisti che hanno trasformato in opere la sofferenza, aprendo a un diverso pensiero sui lati oscuri del mondo. L’arte come risposta all’orrore? Sì, ma a condizione che si ponga al servizio della vita come, dopo l’11 settembre, hanno dimostrato le numerose testimonianze di registi, scrittori, artisti che ci hanno aiutato ad elaborare e affrontare la paura. L’obiettivo è educare i sentimenti, combattere l’indifferenza, contrastare il senso di impotenza ed estraneità che spinge a voler dimenticare. E il metodo consiste nel rivedere stereotipi e strategie mediatiche che costruiscono le figure del diverso e del mostro o dell’eroe e del vincente; ripensare le narrazioni attraverso cui passano i modelli della bellezza e della bruttezza; evidenziare nuove configurazioni che possano restituire un’immagine più sfaccettata dell’umanità, nel rispetto di quanto è vulnerabile e caduco. Al centro delle vicende raccontate ci sono figli e genitori, allievi e insegnanti, che si muovono lungo una deriva per rivedere l’amore a partire dall’odio e il bene a partire dal male, in un intreccio continuo tra biografia e storia, fiction e realtà.

Cosa spinge il cinema e la televisione a trasmettere sempre più frequentemente storie vere? Probabilmente l’attrazione che il pubblico prova nei confronti della verosimiglianza in genere. Questo saggio dimostra che solo apparentemente il fenomeno appartiene alla contemporaneità: in realtà tutta la produzione di immagini della storia risulterebbe derivare da questo fondamentale bisogno dell’uomo: dalla pittura rupestre ai giochi dei gladiatori, dall’attenzione rinascimentale per la prospettiva, alla fotografia, al cinema, alla televisione, ai videogiochi, alle immagini virtuali. "Dentro un universo verosimile e personalizzato", scrive l’autore, "è consentito a ciascuno di noi trovare appagamento, sentirsi un dio, cioè un uomo" poiché "la forma di possesso più agevole da garantire a tutti per uscire da una quantità illimitata di conflitti è la produzione di infiniti mondi verosimili". Umberto Dante ripercorre l’evoluzione umana dai primordi fino ai nostri giorni per rintracciare e analizzare dettagliatamente le molteplici forme succedutesi nei secoli di questa esigenza che ha spinto l’uomo a creare raffigurazioni artificiali il più possibile simili al reale.

Un secolo fa, la bellezza era considerata quasi all’unanimità lo scopo supremo dell’arte e persino sinonimo d’eccellenza artistica. Tuttavia, oggi la bellezza è vista come un crimine estetico e gli artisti sono spesso messi all'indice dai critici se le loro opere sembrano mirare al bello.
Negli anni più recenti, alcuni artisti, critici e curatori hanno iniziato a considerare la bellezza sotto altri punti di vista. La discussione che ne risulta è spesso confusa, con eruditi che guardano talvolta alla bellezza come ad un tradimento del ruolo autentico degli artisti, altre volte si lavora duro per trovare la bellezza in ciò che apparentemente è disgustoso o grottesco.
Il critico d’arte e filosofo Arthur Danto spiega, in questo libro, come sia stata messa a punto la ribellione contro la bellezza e come l’avanguardia modernista l'abbia spodestata. Danto sostiene che i modernisti avessero ragione a negare che la bellezza fosse vitale per l’arte, ma è anche vero che la bellezza è essenziale alla vita umana e che non fosse necessario escluderla per sempre dall’arte.

Un’analisi approfondita delle trasformazioni di tutti i generi artistici in rapporto all’evoluzione tecnologica degli ultimi due secoli, con una particolare attenzione per le innovazioni più recenti. Il confronto tre l'arte e le nuove conoscenze richiede indagini sempre più complesse, che tengano conto non solo delle tradizionali ricostruzioni storico-critiche, ma anche delle importanti acquisizioni del sapere scientifico. Per definire una prospettiva teorica coerente che spieghi fenomeni talvolta dissimili, l'autrice utilizza numerose discipline, in una logica comparativa rigorosa e inedita.

Servendosi degli strumenti della mediologia, in una prospettiva che unisce ciò che l’Occidente ha sempre separato (spirituale e materiale, essere e apparire), Debray ripercorre la presenza dell’idolo, la rappresentazione dell’opera d’arte, fino alla simulazione dell’immagine digitale. La genealogia del nostro inconscio ottico ci mostra il nostro destino: la morte della società dello spettacolo e l’avvento della terza era, la videosfera.

Per alcuni l'arte delle donne è soltanto una moda temporanea, un fenomeno passeggero. In realtà la scena artistica è quanto mai ricca di proposte e di interpreti femminili. Basterebbe riflettere sulla storia degli ultimi vent'anni - come hanno fatto Emanuela De Cecco e Gianni Romano in Contemporanee - per capire che le artiste non solo hanno cambiato la loro condizione, ma l'arte stessa degli ultimi anni. Dai travestimenti di Cindy Sherman all'eclettismo degli ultimi anni.
Contemporanee è un’indispensabile strumento di approfondimento, un'indagine che ha significato quattro anni di ricerche, una bibliografia che non ha pari, unico esempio italiano sul modello dei gender studies americani e inglesi.
Il saggio di Emanuela De Cecco, Trame: per una mappa transitoria dell'arte italiana femminile degli anni Novanta e dintorni, analizza le diverse esperienze delle artiste nella scena locale e in quella internazionale, recuperando esperienze di vecchia data e collegandole alle esperienze artistiche più recenti. Gianni Romano, in Pratiche mediali nell'arte delle donne: 1977-2000, analizza storicamente come l'utilizzo dei nuovi media abbia rappresentato per le artiste contemporanee una strategia ben precisa e articolata (a partire dalla fotografia fino ad arrivare al recupero di vecchie forme come la performance, l'installazione e, infine, la pittura).
Oltre ai saggi dei due autori, Contemporanee presenta documenti originali - spesso inediti - di una cinquantina di artiste, scritti dalle stesse interpreti oppure da importanti critici della scena internazionale quali Craig Owens, Nancy Princenthal, Dan Cameron, Katy Deepwell, Hans Ulrich Obrist, Katerina Gregos, Francesco Bonami, Diego Cortez, Richard Shone, Roberto Daolio, Carlos Vidal, Ester Coen, Jerry Saltz, Ben Judd, Teresa Macrì, Roberto Pinto, Nancy Spector...


Le artiste presentate in Contemporanee sono: Cindy Sherman, Francesca Woodman, Ana Mendieta, Marina Abramovic, Annette Messager, Sherrie Levine, Jenny Holzer, Barbara Kruger, Guerrilla Girls, Rebecca Horn, Yayoi Kusama, Kiki Smith, Sophie Calle, Nan Goldin, Marlene Dumas, Rosemarie Trockel, Mona Hatoum, Doris Salcedo, Jeanne Dunning, Roni Horn, Zoe Leonard, Sue Williams, Karen Kilimnik, Rachel Whiterhead, Andrea Zittel, Liliana Moro, Eva Marisaldi, Sam Taylor-Wood, Pipilotti Rist, Grazia Toderi, Tacita Dean, Shirin Neshat, Bruna Esposito, Gillian Wearing, Vanessa Beecroft, Rineke Dijkstra, Elke Krystufek, Margherita Manzelli, Tracey Moffatt, Luisa Lambri, Eija-Liisa Ahtila, Kara Walker, Ghada Amer, Marjetica Potrc , Lucy Orta, Soo-Ja Kim.