Ritratti al vivo è il diario che il grande fotografo Edward Weston ha tenuto fra il 1923 e il 1926, in un Messico ancora scosso da fremiti rivoluzionari. Giorno dopo giorno, la penna registra pensieri ed esperienze, racconta l’effervescenza dell’ambiente culturale di Città del Messico, l’amicizia con il muralista Diego Rivera, l’entusiasmo per le forme essenziali dell’arte popolare india. Come specchi preziosi, le fotografie di Weston riflettono la bellezza dei paesaggi messicani, la seduzione dei corpi e dei volti, le inquietudini della vita quotidiana. Accanto a Edward, fiorisce anche il sorprendente talento fotografico di Tina Modotti, sua compagna, allieva e modella favorita.

Volume scontato al 30%

Il libro 'Edward Weston e Tina Modotti in Messico' di Mariana Figarella analizza il contributo dato alla politica e alla cultura messicana e in generale alla coscienza della Mexicanidad dai due fotografi. Il punto di partenza dell'autrice è un lavoro finalizzato alla specializzazione in storia dell'arte del 1998. Piero Colussi con Gianni Pignat e Gianfranco Ellero ne hanno curato l'edizione italiana.

Nelle opere di Joel-Peter Witkin, Robert Mapplethorpe e Andres Serrano, la fotografia si fa corpo e questa fusione, un "corpo fotografato" diventa così un testo che narra il visibile, l'immagine, il racconto dell'esperienza umana. Nel vis-à-vis con i corpi catturati dall'obiettivo, lo sguardo viene urtato, pungolato da una semantica di morte, di sacro, di sangue. Il mistero del corpo aumenta il suo ermetismo slittando dalla pelle alla pellicola e si perde nel pulviscolo di tematiche che i tre artisti affrontano con profondo spirito di sovversione e di provocazione. E una passerella di corpi afallici e acefali, di significati mozzati dal senso comune, di lucide follie che attraversano il postmodernismo giocando sull'ambiguità dell'ombra, sulla perpetua sensazione che mantiene lo sguardo del lettore nell'incertezza del chiaro-scuro: un ricamo di corde a cui sono legati temi come la vita e la morte, il sacro e il profano, il maschile e il femminile. E un racconto di morte, in definitiva, quello che emerge dai loro scatti: Glassman, Woman Once a Bird, Ken Moody, Morgue solo per citare le foto più note al pubblico. L'autrice propone delle fenditure, degli spazi di lacerazione dove la comparazione tra i "testi fotografici" provoca un urto di senso, dimostrando come la fotografia non sia semplice luogo di contemplazione del bello, bensì eterno risuonare delle campane funebri. Questo saggio ha forse come unico, vero scopo quello di condurre l'occhio all'apice del suo godimento.

In questo volume Isabella Pedicini compone un ritratto del tutto inedito della grande fotografa Francesca Woodman, studiando il suo periodo romano. Attraverso l’analisi delle immagini, dei carteggi privati, degli appunti sparsi che Francesca Woodman ha lasciato ai suoi amici romani, come attraverso le testimonianze di chi ha condiviso con lei questo periodo creativo.

È il 1977. A diciannove anni Francesca Woodman è a Roma per un soggiorno studio. Figlia d’arte, studentessa presso il Rhode Island School of Design di Providence, Roma è per lei quel luogo e quel momento in cui le suggestioni estetiche e stilistiche già coltivate in America arrivano a definitiva maturazione. Artista precoce, figura di confine tra cultura americana e cultura italiana, Francesca Woodman disegna la propria parabola artistica all’interno dei confini del mezzo fotografico, secondo cifre personali che valicano gli stessi argini della fotografia.

Nel lavoro di Francesca Woodman si ritrovano gli echi e le suggestioni surrealiste, l’uso del corpo come linguaggio, gli influssi dei testi di Breton uniti a quelli della fotografia americana. Francesca Woodman si trasforma e per farlo utilizza i due strumenti che permettono il suo gioco magico: il corpo e la macchina fotografica. Si arriva così a individuare al centro della sua opera il topos della Metamorfosi come continuazione della vita.
Come il mito, come Icaro, l’artista porta avanti fino al punto più estremo un discorso di slancio e di determinazione. Come donna e come artista, Francesca Woodman insegna la potenza del gesto artistico, il coraggio che richiede la creazione e quindi l’esposizione di sé e del proprio lavoro.

Arricchiscono la pubblicazione una raccolta dei racconti degli amici di Francesca Woodman, incontrati tra la libreria Maldoror di via del Parione e gli atelier della Nuova Scuola Romana.

Alice Austen, Anne Brigman, Claude Cahun, Gertrud Arndt, Hannah Cullwick, Hannah Hoch, Julia Margaret Cameron, la Contessa di Castiglione, Lady Clementina Hawarden, Leni Riefenstahl, Madame Yevonde, Tina Modotti sono le dodici straordinarie personalità femminili illustrate in questo libro. Dodici donne che incontrano "pericolosamente" la fotografia. Dodici storie sorprendentemente originali che anticipano il clima delle ricerche artistiche più contemporanee. Tra voyeurismo, esibizionismo narcisista, feticismo, indagine sull’ambiguità sessuale e sulla frantumazione del corpo e del genere, sulla militanza politica e ideologica, il saggio si snoda attraverso il racconto di vite eccezionali e fuori dai codici comuni, tra scelte coraggiose e atteggiamenti scomodi e controcorrente. L’uso della fotografia fa scandalo. Mentre ancora si dibatte sul suo statuto di arte o di ausilio alla pittura c’è chi la sfrutta, con un’adesione simbiotica alla sua stessa natura di riflesso del reale, per attivare dimensioni performative e immaginarie, per indagare identità ed esperienze di self-invention.

Interessante volume che raccoglie una serie di interviste con alcuni grandi nomi della fotografia:
Paul Strand, Man Ray, Cecil Beaton, Jacques-Henri Lartigue, Brassai, André Kertesz, George Rodger, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Herbert Bayer, Brett Weston, Manuel Alvarez Bravo, Eliot Porter, W. Eugene Smith, Laura Gilpin, Imogen Cunningham, Winn Bullock, Minor White, Beaumont Newhall.
Le fotografie presenti mostrano i ritratti dei nomi citati.

Nuova edizione ampliata e riveduta del volume best-seller originariamente pubblicato nel 1979.

La celebre serie "Photography Speaks" edita da Aperture ed ora riunita in un unico volume che presenta il lavoro di 150 importanti fotografi attraverso le immagini ma soprattutto attraverso le parole degli stessi autori e tra questi William Henry Fox Talbot, Eugène Atget, Alfred Stieglitz, Lewis Hine, August Sander, Man Ray, Weegee, Robert Frank, Diane Arbus, Robert Heinecken, Lucas Samaras, Nadar, William Eggleston, Eikoh Hosoe, Gordon Parks, Manuel Alvarez Bravo, Christian Boltanski e Rineke Dijkstra.

L'opera della McEuen esamina il lavoro di cinque eminenti fotografe "impegnate" nel contesto sociale e politico americano: Doris Ulmann, Dorothea Lange, Marion Post Wolcott, Margaret Bourke-White, Berenice Abbott.
Il volume è corredato da un'ampia sezione bibliografica.

Writings on Twentieth-Century Photography

Professore e curatore alla Princeton University, Peter C. Bunnell ha sostenuto in oltre 30 anni di carriera alcune delle più interessanti ricognizioni teoriche inerenti il mondo della fotografia. Questo volume raccoglie i suoi migliori scritti analizzando l'opera di numerosi celebri autori: Diane Arbus, Ruth Bernhard, Harry Callahan, Paul Caponigro, Walter Chappell, Thomas Joshua Cooper, Elliott Erwitt, Walker Evans
Robert Frank, Emmet Gowin, Eikoh Hosoe, Tokio Ito, Gertrude Käsebier, Michael Kenna, Michiko Kon, Ray K. Metzker,
Lisette Model, Barbara Morgan, Wright Morris, John Pfahl, Edward Ranney, Aaron Siskind, Alfred Stieglitz, Jerry N. Uelsmann, Edward Weston, Clarence H. White e Minor White.

L'odissea fotografica di Walker Evans, Robert Frank e Lee Friedlander

Cosa succede se la fotografia di reportage decide di evadere dai confini della professione giornalistica, per affrancarsi dalle direttive editoriali e diventare finalmente indipendente? E cosa succede se decide di svincolarsi dalle logiche e dalle finalità del mercato per riscattarsi come libera e autentica produzione artistica?
Prendendo in esame il lavoro di tre maestri della fotografia contemporanea come Walker Evans, Robert Frank e Lee Friedlander, il libro tenta di analizzare nuove possibilità per la fotografia di reportage considerata qui in stretta corrispondenza con le poetiche delle arti visive, della letteratura e della musica e al di là dei luoghi comuni promossi dal foto-giornalismo.
Gli autori esaminati, pur appartenendo ad epoche e stagioni culturali differenti, sono animati da un'identica attitudine al viaggio e al reportage fotografico con cui riescono a rinnovare sia i modelli che i linguaggi della tradizione sintonizzandosi di volta in volta sulle frequenze del Dadaismo, del Surrealismo, dell'Informale o del Concettuale analitico.
Dagli anni trenta agli anni settanta, in questi grandi protagonisti della cultura visiva del Novecento, teoria e pratica del reportage acquisiscono la fisionomia di uno splendido itinerario all'interno della ricerca estetica contemporanea.